Lucía
Lucía
D, G y F en C: Niles Atallah. P: Chile, 2010. E: Andrea Chignoli y José Luis Torres Leiva. Con: Gabriela Aguilera (Lucía), Gregory Cohen (Luis), Eduardo Barril (doctor Echeverría), Esperanza Silva (Elena), Francisca Bernardi (Daniela), Andrés Kalawski (Fernando), Julia Cintolesi (Clarita). Prod: Diluvio, Cine en Construcción, The Global Film Initiative, Hubert Bals Fond, Francisco Albornoz y Niles Atallah. Dur: 80 min. Dist: Cineteca Nacional.
La vida cotidiana de una joven costurera chilena, quien vive en una vieja casa de Santiago en compañía de su padre desempleado, transcurre al mismo tiempo que los funerales del ex dictador Augusto Pinochet, en diciembre de 2006. Una ópera prima en la cual un retrato intimista y casi documental, da paso a una introspección en las dolorosas memorias de toda una generación de chilenos que luchan por recuperarse de los horrores de la dictadura militar que mantuvo el poder en Chile desde 1973 hasta 1990.
Lucía es una película íntima: el retrato de una mujer, de una casa, y de una familia. Para mí, la película explora zonas de dolor y amor, pérdida y esperanza, el peso insoportable de la nostalgia, y los fantasmas del pasado que permanecen encerrados en el silencio. Elijo no retratar temas políticos de forma directa en la película, sino enfocar las huellas sutiles que deja la historia en la vida cotidiana de personas comunes. Las aspiraciones económicas y políticas que existen en Lucía sirven como falso catalizador, una promesa contenida dentro de una bola de cristal.
Niles Atallah
Niles Atallah
1978, CALIFORNIA, ESTADOS UNIDOS
Es un artista audiovisual radicado en Santiago de Chile. Fundó Diluvio Gallery, una galería multimedia dedicada también a la producción de filmes. Realizador de videoinstalaciones y videoclips, sus cortometrajes de animación Lucía, Luis y el Lobo han sido premiados en países como Suiza, Chile y España. Su ópera prima, Lucía, se estrenó en la sección Zabaltegi del Festival Internacional de Cine de San Sebastián en el 2010, participando también en otros certámenes, como la Semana del Cine Experimental de Madrid y el Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, entre otros.
Filmografía:
2006 Memoria desierta (mediometraje documental)
2007-2008 Lucía, Luis y el Lobo (cortometrajes de animación)
2010 Lucía
Premios:
. Festival Internacional de Cine de Valdivia, Chile, 2010: Mejor director.
. Festival de Cine B, Chile, 2010: Mejor visualidad.
La mujer que cantaba
Incendies
D: Denis Villeneuve. P: Canadá-Francia, 2010. G: Denis Villeneuve, basado en la obra de Wajdi Mouwad. F en C: André Turpin. M: Grégoire Hetzel. E: Monique Dartonne. Con: Lubna Azabal (Nawal Marwan), Maxim Gaudette (Simon Marwan), Mélissa Désormeaux-Poulin (Jeanne Marwan), Rémy Girard (Jean Lebel). Prod: Micro_scope, TS Productions, Phi Group, Luc Déry, Kim McCraw. Dur: 130 mins. Dist: Zima Entertainment.
Jeanne y Simon son dos gemelos canadienses que desean cumplir la última voluntad de su madre: entregar un sobre al padre que ellos creían muerto y otro a un hermano cuya existencia ignoraban. Adaptada de la exitosa obra teatral de Wajdi Mouawad, Incendios es una conmovedora historia que muestra el horror de la guerra en un crudo nivel, a partir de un poético viaje de dos hermanos que descubren en la tierra ancestral de medio oriente un pasado completamente desconocido de la mujer que los trajo al mundo.
Cuando vi la obra, me impresionó la forma en la que Mouwad manejó al mismo tiempo lo íntimo, lo político y lo mitológico. Ahí me enamoré instantaneamente de Incendios aunque nunca la vi pensando "quiero adaptarla al cine". Después de Maëslstrom dejé de hacer películas por un tiempo, ya que quiero demasiado el cine como para sólo “dirigir por dirigir” y el shock amoroso que me obligara debía de ser más intenso. Fue así que durante cinco años, me descubrí cada mañana pensando sobre Incendios… y eso fue una droga para mí. Ahora necesito encontrar algo que me haga tan feliz como esta película lo hizo.
Denis Villeneuve
Denis Villeneuve
1967, QUÉBEC, CANADA
Considerado uno de los cineastas y escritores canadiense más talentosos de su generación, Denis Villeneuve ha logrado conjuntar la opinión de crítica y público con un estilo visual único y su particular enfoque narrativo. Fue ganador de la competencia de Radio-Canadá de cine para jóvenes: "
Filmografía:
1998 Un 32 août sur Terre
2000 Maëslstrom
2008 Next Floor
2009 Polytechnique
2010 Incendies / La mujer que cantaba
Premios
-Festival Internacional de Cine de Toronto, Canadá, 2010: Mejor película canadiense
-Festival Venice Days, Italia, 2010: Mejor película
-Festival Internacional de Cine de Vancouver, Canadá, 2010: Mejor película canadiense
-Academia Canadiense de Cine y Televisión, 2011: Mejor película, mejor dirección, mejor guión adaptado y mejor interpretación femenina, entre otros.
Cuatro estaciones
Le quattro volte
D y G: Michelangelo Frammartino. P: Italia-Alemania-Suiza, 2010. F en C: Andrea Locatelli. E: Benni Atria y Maurizio Grillo. Con: Giuseppe Fuda, Bruno Timpano, Nazareno Timpano. Prod: Vivo film, Essential Filmproduktion GMbH, Ventura Film, Invisible Film, Marta Donzelli, Gregorio Paonessa, Gabriella Manfré, Susanne Marian, Elda Guidinetti y Philippe Bober. Dur: 90 min. Dist: Cineteca Nacional.
Entre documental y ficción, esta ópera prima, poética y llena de humor, nos ofrece una mirada sutil sobre la vida y naturaleza de la Italia rural. Nos muestra con gran delicadeza, a través de cuatro episodios, la historia de cuatro protagonistas (hombre, animal, vegetal y mineral): un viejo pastor muy enfermo, aferrado a remedios tradicionales; el nacimiento y primeros días de un cabrito; las etapas de vida de un castaño, y la vieja costumbre, en los bosques de Vibo, de transformar la madera en carbón.
La imagen ha contribuido a la idea del hombre como centro del Universo. Y eso es una situación de soledad, de estar demasiado en lo alto. Por eso yo quiero que también sea la imagen la que contribuya a que recobremos el contacto con las cosas. En la naturaleza hay una fusión entre los animales y lo que los rodea. Cuando un pez muere se convierte en arena, o un insecto en vegetal. El pastor de mi película muere y se mimetiza con el resto del mundo.
Michelangelo Frammartino
Michelangelo Frammartino
1968, MILAN, ITALIA
Estudió arquitectura en el Politécnico de Milan. Tras dirigir en 1992 su primer cortometraje, en 1995 presentó la instalación en video Ora en la Escuela de Cine de Milano, de la cual se graduó en 1997. En 1999 co-dirigió el corto Bibivi con Cafi Mohamud, y el cortometraje Scappa Valentina. En 2002 ganó el concurso de cortos realizados con teléfono celular del Festival de Bellaria, con Io non posso entrare. En 2003 filmó su ópera prima, Il dono, que obtuvo el Gran Premio en el Festival de Cine Italiano de Annecy, el premio Alexander de Plata en el festival de cine de Tesalónica y una Mención especial en el Festival Internacional de Cine de Varsovia. Desde 2005 enseña lenguaje cinematográfico en la Escuela de Cine de la Universidad de Bergamo.
Filmografía:
2000 Scappa Valentina (cortometraje)
2002 Io non posso entrare (cortometraje)
2003 Il dono / El regalo
2010 Le quattro volte
Premios:
-Quincena de los realizadores, Cannes, Francia. Etiqueta Europa Cinemas, 2010: Premio Especial del Jurado Palm Canina.
-Premios del Sindicato Nacional de Periodistas Cinematográficos Italianos, Italia, 2010: Premio Especial Cinta de Plata.
-Filmfest Munchen, Alemania, 2010: Premio Cinevisión.
-Festival Internacional de Cine Nueva Era Horizontes, Wroclaw, Polonia, 2010: Premio del público y Premio Internacional de Cine otorgado por el Jurado de la competencia oficial.
-Festival de Cine Motovun de Croacia, 2010: Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional y Mención especial del Jurado.
Jean Gentil
D y F en C: Laura A. Guzmán e Israel Cárdenas. P: República Dominicana-México-Alemania, 2010. G: Laura A. Guzmán, Israel Cárdenas y Alejandro Andújar E: Israel Cárdenas. Con: Jean Remy Genty (Jean Remy) Yanmarco King Encarnación (Yanmarco), Paul Henri Presumé (Polo), Nadal Walcott (agrimensor), Lys Ambroise (Ciryl). Prod: Aurora Dominicana, Canana Films, Bärbel Mauch Film, Pablo Cruz. Dur: 84 mins. Dist: Cineteca Nacional.
Hace 14 años que Jean Remy, un haitiano taciturno, llegó a la capital de República Dominicana en busca de oportunidades. A pesar de que habla cinco idiomas y es licenciado en educación y contaduría, nunca ha tenido un empleo fijo. Basado en la vida real del protagonista, quien se interpreta a sí mismo en éste largometraje de ficción, Jean Gentil se estructura a partir de los sonidos que habitan los escenarios rurales y urbanos por los que transita el personaje. Es, además, la primera coproducción de la República Dominicana con un país extranjero.
El cine no es solamente la realización de comedias, o un medio para hacer dinero; debe existir en él un perfil de reflexión que lo lleve a ser algo más que un simple negocio. Jean Gentil es antes que nada una exploración, un ejercicio en el que nuestra intención era aprender a través de lo audiovisual para luego poder compartirlo y generar reflexión en la gente que nos rodea. Se trata de un cine más cercano a lo artesanal, en el que nosotros como directores hacemos prácticamente todo, desde la fotografía y la edición hasta la producción.
Laura A. Guzmán e Israel Cárdenas
Laura A. Guzmán
1980, SANTO DOMINGO, REPÚBLICA DOMINICANA
Después de graduarse de la escuela de diseño Altos de Chavón, donde estudió bellas artes y fotografía, asistió a la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, en Cuba, donde se especializó en dirección de fotografía. Desde 2004 vive en México con su esposo Israel Cárdenas, con quien comparte los créditos de dirección, guión y producción de su primer largometraje Cochochi, ópera prima que fue presentada en la sección Orizzontti del Festival Internacional de Cine de Venecia en 2007.
Israel Cárdenas
1980, MONTERREY, MÉXICO
Tras asistir a algunos talleres de cine en Cuba, Holanda y Nueva York, creó una pequeña compañía productora. A partir de entonces ha producido, dirigido y fotografiado proyectos audiovisuales, entre los que destacan algunos videos musicales. Cochochi, su ópera prima, en la que comparte créditos con Laura A. Guzmán, ha tenido una buena aceptación de la crítica internacional. Jean Gentil es su segundo largometraje.
Filmografía:
2007 Cochochi
2010 Jean Gentil
Premios:
Muestra de Arte Cinematográfico de Venecia, Italia, 2010: Mención Especial del Jurado.
Una joven y bella esposa
Naomi
D: Eitan Tzur. P: Israel-Francia, 2010. G: Edna Mazya, basada en su novela homónima Hitparzut X. F en C: Shai Goldman. M: Adrien Blaise. E: Boaz Leon. Con: Melanie Peres (Naomi Ben-Natan), Orna Porat (Ketty Ben-Natan), Yossi Pollak (Ilan Ben Natan), Suheil Haddad (Anton Karam), Rami Heuberger (Oded Safra). Prod: EZ Films, July August Productions, Elie Meirovitz, Yossi Uzrad, Guy Jacoel y Yochanan Kred. Dur: 102 min. Dist: Alfhaville Cinema.
Ilan Ben Natan, tiene 58 años y es un destacado profesor de astrofísica en la Universidad de Haifa. Él está profundamente enamorado de su joven y bella esposa Naomi. Un día descubre que su mayor temor se ha convertido en realidad: ella tiene una relación con otro hombre. Él no se puede controlar y comete un acto terrible que pesará mucho sobre su conciencia. Un filme sobre la culpa, el amor y la devoción sin límites.
Escogí un elenco y un estilo cinematográfico que me permitiera enfocarme en los personajes. La locación principal, para mí, fueron las caras de los actores, especialmente en aquellos momentos en que no hablan. Durante la preparación de la película poco a poco fui eliminando la mayoría de los pocos movimientos de cámara que había yo planeado. Traté de hacer un filme que se caracterizara por el silencio y el control a nivel de lo que se ve, con la esperanza de que ningún espectador se pudiera perder la gran sacudida que estaba sucediendo por debajo de todo.
Eitan Tzur
Eitan Tzur
Estudió cine en la Universidad de Tel Aviv y es un reconocido director de televisión habiendo participado en algunos de los más populares proyectos televisivos en Israel, como la serie dramática En terapia (BeTipul) en 2008. Su serie Red Band obtuvo varios premios en 2009. En 2010, además de dirigir la versión israelí del programa televisivo The Office (Ha’Misrad), realizó su ópera prima Naomi, filme que participó en la Semana de la Crítica en la Muestra de Venecia.
Filmografía
2010 Naomi / Una joven y bella esposa
Premios:
Academia de Cine de Israel, Jerusalén, Israel, 2010: Premio Ophir a la Mejor actriz secundaria (Orna Porat).
Las marimbas del infierno
D y G: Julio Hernández Cordón. P: Guatemala-México-Francia, 2010. F en C: María Secco. M: Guerreros del Metal, Bacteria Sound System. E: Lenz Claure. Con: Alfonso Tuche (Don Alfonso), Roberto González Arévalo (Blacko), Víctor Hugo Monterroso (Chiquilín). Prod: Les Films du Requin, Melindrosa Films, Códice Cinema, Axolote Cine. Dur: 74 mins. Dist: Interior 13 Cine.
Don Alfonso, quien ha sido víctima de la violencia, teme que las pandillas locales dañen a su familia o a su amada marimba, instrumento que lo ha acompañado siempre. Por si fuera poco, también es despedido de su empleo como músico en un restaurante. Intentando recuperar su vida, decide emprender un insólito proyecto: fusionar la marimba con el heavy metal. Realizada en formato digital de alta definición, la película muestra de forma peculiar la complicada situación social del pueblo guatemalteco.
Hay historias que sólo pueden nacer de Guatemala, país al que estoy emocionalmente ligado. Conocía de vista a uno de los personajes, Blacko, que es un mítico músico guatemalteco de heavy metal. Después, cuando entrevisté a Don Alfonso, con el que había trabajado brevemente en mi primera película, me conmovió su situación, pues él estaba siendo extorsionado por la Mara, y su mujer lo presionaba para vender su marimba, su bien más preciado. Así que se me ocurrió: ¿Qué pasaría si en esta historia la marimba se fusiona con el heavy metal?
Julio Hernández Cordón
Julio Hernández Cordón
1975, RALEIGH, ESTADOS UNIDOS
Viviendo toda su vida entre Guatemala, México, Estados Unidos y Costa Rica, estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Rafael Landivar en la ciudad de Guatemala. Posteriormente ingresó a la carreara de cine en el Centro de Capacitación Cinematográfica, México. Su ópera prima, Gasolina (2008) recibió más de diez premios internacionales, entre los que destaca el premio Horizontes del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Con Las marimbas del infierno se convirtió en el primer realizador centroamericano en participar en el prestigioso Festival de cine de Toronto.
Filmografía:
2008 Gasolina
2010 Las marimbas del infierno
Premios:
- Festival Internacional de Cine de Valdivia, Chile, 2010. Premio del Público: Mención Especial del Jurado.
-Festival Internacional de Cine de Morelia, 2010: Mejor Largometraje Mexicano.
-Festival Ícaro, Nicaragua, 2010. Mejor Película Centroamericana; Mejor Director; Mejor Actor (Victor Monterroso): Mejor Sonido.
-Festival Internacional de Cine de Torino, Italia, 2010. Premio Ciputti: Premio de Jurado.
-Festival de Cine de Miami, Estados Unidos: Premio del Jurado.
Mi felicidad
Schaste moe
D y G: Sergei Loznitsa. P: Alemania-Ucrania-Países Bajos, 2010. F en C: Oleg Mutu. E: Danielius Kokanauskis. Con: Viktor Nemets (Georgy), Vladimir Golovin (anciano), Aleksey Vertkov (joven teniente), Dmitriy Gotsdiner (comandante), Olga Shuvalova (joven prostituta), María Varsami (María), Boris Kamorzin (transportista), Prod: Ma.ja.de. Fiction, Arte, Kinofilm, Lemming Film, Medienboard Berlín-Brandenburg, Sota Cinema Group, Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF), Mitteldeutsche Medienförderung (MDM), Heino Deckert y Oleg Kokhan. Dur: 127 min. Dist: Cineteca Nacional.
Un transportista se desvía de su ruta y se adentra en una zona rural de la ExUnión Soviética. Su viaje lo lleva a encontrarse con distintos personajes, marcados por un insalvable desencanto existencial que los arrastra hacia la violencia. El documentalista ruso Sergei Loznitsa se adentra por vez primera en los terrenos de la ficción con esta descarnada reflexión sobre la miseria moral en la que se sumergieron los otrora países comunistas, cuyos habitantes sobreviven recurriendo a humillantes opciones.
Realicé esta película por una razón muy simple: quería mostrar la realidad de la provincia rural rusa en la actualidad, un lugar que existe y que resulta casi desconocido para el mundo entero. Me interesaba también retratar a aquellos a quienes nadie miraría, aquellos cuyos rostros jamás aparecerían en una revista de modas. Capturar sin concesiones sus conflictos internos. Ésa era mi meta principal.
Sergei Loznitsa
Sergei Loznitsa
1964, BIELORRUSIA, UNIÓN SOVIÉTICA
Estudió Matemáticas e Ingeniería en Kiev. Colaboró como traductor del japonés al ruso para el Instituto Ruso de Cinematografía desde 1991, lugar en el cual alcanzó la especialización en producción y dirección de Cine, graduándose en 1997. En San Petersburgo realizó tres filmes antes de emigrar a Alemania, país en el cual ha desarrollado la mayoría de su carrera. Es un reconocido documentalista cuya obra ha sido premiada en numerosos festivales cinematográficos del mundo entero. My joy, su primer largometraje de ficción, se presentó en la Sección Oficial del Festival de Cine de Cannes en 2010.
Filmografía
1996 Today we are going to build a house / Hoy construiremos una casa (cortometraje documental)
1998 Life, autumn / Vida, otoño (mediometraje documental)
2000 The train stop / La estación del tren (cortometraje documental)
2002 Portrait / Retrato (cortometraje documental)
2003 Landscape / Paisaje (largometraje documental)
2004 Factory / Fábrica (cortometraje documental)
2006 Blockade / Bloqueo (largometraje documental)
Artel (cortometraje documental)
2008 Revue / Revista (largometraje documental)
Northern light / Luz del norte (mediometraje documental)
2010 My joy / Mi felicidad
Premios:
-Festival Internacional de Cine de Yerevan, Armenia, 2010: Premio Especial del Jurado -Albaricoque de Plata.
Algo así como un buen tipo
En ganske snill mann
D: Hans Petter Moland. P: Noruega, 2010. G: Kim Fupz Aakeson F en C: Philip Øgaard. M: Halfdan E. E: Jens Christian Fodstad. Con: Stellan Skarsgård (Ulrik), Bjørn Floberg (Rune Jensen), Gard B. Eidsvold (Rolf), Jorunn Kjellsby (Karen Margrethe), Bjørn Sundquist (Sven), Jon Øigarden (Kristian), Kjersti Holmen (Wenche). Prod: Paradox Produksjon, Finn Gjerdrum, Stein B. Kvae. Dur: 105 mins. Dist: Cineteca Nacional.
Es difícil envejecer con dignidad, incluso para los criminales. Ulrik ha pasado doce años en prisión por un asesinato. Ahora tiene 50 años de edad y está libre, sin futuro, sin hogar, sin trabajo y con una familia que no quiere saber nada de él. Su exjefe delincuente le consigue un trabajo como mecánico y un lugar donde vivir. Ahora tiene una oportunidad de comenzar de nuevo, con la ayuda de todos. Sin embargo, Ulrik aún tiene cuentas pendientes con el hombre que lo llevó a prisión.
Nacemos, crecemos, perdemos nuestra inocencia, cometemos estupideces y finalmente morimos. Cerca del final, intentamos recuperar un poco de dignidad, sin embargo, rara vez lo conseguimos. Aún así lo intentamos, aunque sea triste y patético. ¿Es vergonzoso? Sí, pero siempre es vergonzoso pertenecer a la raza humana. En la era de la exactitud computarizada, el error humano es lo único que altera el orden de las cosas. A Somewhat Gentleman es una película que trata sobre nuestras deficiencias, es un tributo al sexo aburrido, una campaña mundial en contra de los mezquinos que gobiernan el mundo.
Hans Petter Moland
Hans Petter Moland
1955, OSLO, NORUEGA
Se gradúa en 1978 en el BFA in Film del Emerson School of Communications de Boston, Massachusetts. Ha trabajado tanto en Estados Unidos como en Noruega como productor y director de spots publicitarios. Ha sido galardonado con el Premio Golden Lion, en el Festival Internacional de
Filmografía:
1993 Secondløitnanten / El ultimo teniente
1995 Kjærlighetens kjøtere / Cero grados kelvin
2000 Aberdeen
2002 Folk flest bor i Kina (segmento AP)
2002 De beste går først / Los mejores mueren jóvenes
2004 The beautiful country / Una vida nueva
2006 Gymnaslærer pedersen / Comrade Pedersen
2010 En ganske snill mann / Algo así como un buen tipo
Premios:
-Festival Internacional de Cine de Berlín, Alemania, 2010: Premio del Público del Berliner Morgenpost.
-Festival Internacional de Cine de Tróia, Portugal, 2010: Premios a la Mejor película, director, actor protagónico (Stellan Skarsgård) y guión cinematográfico.
Aurora
Aurora
D y G: Cristi Puiu. P: Rumania-Francia-Suiza-Alemania,
La película narra la historia de Viorel, de 42 años, quien se encuentra deprimido. Esta situación lo lleva a cometer actos violentos, mas no está seguro si la razón de su violencia se deba a su divorcio o a conflictos personales. Aurora intenta desmitificar el asesinato, convirtiéndolo en algo simple, sin sentido, como si un asesino no tuviera nada de especial. Viorel no es especial, ni resalta entre la multitud; sin embargo, sus actos lo definen como alguien alejado de la realidad desde hace tiempo.
Siento que traicionaría a mi cinta, si la intentara definir en dos frases; es un análisis sobre cómo vivimos en nuestra mente. Me di cuenta que hay algo fuera de este mundo que provoca que nos matemos unos a otros. Todo el tiempo, nuestro cerebro contiene cierta información que sirve para mantenernos vivos. Es por eso que reacciona ante todo, asume, edita y lleva a cabo tareas sin preguntarnos. Entonces surge la pregunta: ¿Cuál es el yo verdadero? Vivir en nuestra mente se puede convertir en una tragedia, ya que no podemos vivir en la mente de los demás, al estar atrapados en la nuestra.
Cristi Puiu
Cristi Puiu
1967, BUCAREST, RUMANIA
En 1992, después de la caída del comunismo, realizó estudios de pintura en
Filmografía:
2000 Marfa si Banii / Stuff and Dough
2004 Un cartu? de Kent ?i un pachet de cafea / Cigarettes and Coffee (cortometraje)
2005 Mortea domnului Lazarescu / La muerte del señor Lazarescu
2010 Aurora
Octubre
D y G: Daniel y Diego Vega Vidal. P: Perú, 2010. F en C: Fergan Chávez-Ferrer. E: Gianfranco Annichini. Con: Bruno Odar (Clemente), Gabriela Velásquez (Sofía), Carlos Gasols (Don Fico), María Carbajal (Juanita), Sheryl Sánchez Mesco (Milagritos), Víctor Prada (Julián Gómez), Sofía Palacios (Sabrina). Prod: Maretazo Cine, Daniel Vega Vidal y Diego Vega Vidal. Dur: 83 mins. Dist: Cineteca Nacional.
Clemente es un prestamista de pocas palabras. Sofía, su vecina soltera, cada octubre muestra su devoción al Señor de los Milagros. Su relación comienza cuando Clemente descubre a una pequeña recién nacida, hija suya con una prostituta que ha desaparecido. Mientras él busca a la madre de la niña, contrata a Sofía para ocuparse del bebé y de las tareas del hogar. Con la llegada de estos dos nuevos seres a su vida, Clemente estará listo para cuestionarse acerca de sus relaciones con quienes le rodean.
En Octubre hemos tratado de llevar la rigidez emocional de un hombre al límite, para luego intentar quebrarla. Clemente es un hombre emocionalmente bloqueado, enfrentado a su prueba máxima: el deseo desesperado de Sofía. Y aunque durante mucho tiempo creímos que controlar las emociones era la forma perfecta de evitar el sufrimiento, la película es la humanización de un hombre sin fe que va cediendo a todo mientras aparenta no querer nada. La pregunta que nos hacemos es: ¿Es la imposición de una familia el milagro en la vida de un hombre como Clemente? ¿Qué es un milagro en una ciudad como la nuestra?
Daniel y Diego Vega Vidal
Daniel Vega Vidal
1974, LIMA, PERÚ
Diego Vega Vidal
1975, LIMA, PERÚ
Mientras que Daniel cuenta con un posgrado en Comunicación Audiovisual en Madrid, su hermano Diego se graduó como guionista cinematográfico en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba. Dedicados a la publicidad y los medios audiovisuales, su primer cortometraje realizado en colaboración, Interior bajo izquierda, recibió numerosos premios internacionales. Octubre es el primer largometraje de ambos.
Filmografía en colaboración:
2008 Interior bajo izquierda (cortometraje)
2010 Octubre
Premios:
-Festival Internacional de Cine de Cannes, Francia, 2010: Premio de Jurado, sección Una cierta mirada.
Pez mortal
Tsumetai nettaigyo
D: Shion Sono. P: Japón, 2010. G: Shion Sono y Yoshiki Takahashi. F en C: Shin’ya Kimura. M: Tomohide Harada. E: Jun’ichi Itô. Con: Mitsuru Fukikoshi (Nobuyuki Shamoto), Denden (Murata), Megumi Kagurazaka (Taeko), Hikari Kajiwara (Mitsuko), Asuka Kurosawa (Aiko, esposa de Murata). Prod: Sushi Typhoon, Stairway, Yoshinori Chiba, Toshiki Kimura. Dur: 144 min. Dist: Cineteca Nacional.
El señor Shamoto, dueño de un pequeño acuario, vive con su joven esposa Taeko y con Mitsuko, una rebelde adolescente hija de su primer matrimonio. De carácter pusilánime, no puede evitar que llamen a la policía cuando su hija es sorprendida robando en un almacén. Su salvación es Murata, un distinguido caballero que se presenta de improviso para interceder por la joven. Coincidentemente él es dueño de un importante acuario, por lo que congenia con la familia, a quien le ofrece un empleo para Mitsuko. Sin embargo, las cosas se complican para el apacible Shamoto cuando descubre que su nuevo amigo podría estar implicado en decenas de asesinatos.
Mi sistema de trabajo es muy extraño. No puedo explicarlo exactamente. No necesito una fotografía bonita, no necesito una gran vista o un gran plano. Sólo necesito actores actuando. Casi siempre uso cámara en mano, así que si el camarógrafo no puede entender este estilo, comienzo a preocuparme.
Shion So
Shion Sono
1961, TOYOKAWA, JAPÓN.
Poeta desde los 17 años, publica su obra en importantes medios literarios aún antes de entrar a la Universidad de Hosei, la que abandona para filmar pequeñas obras experimentales en 8mm., una de las cuales, I Am Sion Sono!!!, funde su obra poética y fílmica llamando poderosamente la atención en varios festivales internacionales. Su debut formal, Bicycle Sighs, se convierte no sólo en éxito de crítica en más de treinta festivales, sino también en un suceso de taquilla en Japón. En 1997 funda el movimiento Tokio GAGAGA, guerrilla urbana que monta funciones de lectura de poesía en distintos barrios japoneses, con beneplácito de los círculos intelectuales nipones. En el 2001, en tan sólo dos semanas, filma la obra que lo lanza internacionalmente, Suicide Club, intenso thriller acerca de una ola de suicidios de jóvenes estudiantes. A partir de entonces se convierte en un cineasta reputado en el género fantástico, cuya obra ha sido premiada en festivales como Berlín, Karlovy Vary, FantAsia y Sitges.
Filmografía:
1990 Jitensha toiki / Bicycle Sighs
1992 Heya / The Room
1997 Keiko desu kedo
1998 Dankon: The Man
2000 Seigi no Tatsujin Nyotai Tsubo saguri
2000 Utusushimi
2001 Jisatsu sâkuru / Suicide Club
2005 Yume no naka e
2005 Noriko no shokutaku / Noriko’s Dinner Table
2005 Kimyô na sâkasu / Strange Circus
2005 Hazard
2006 Kikyû kurabu, sonoro
2007 Ekusute / Hair Extensions
2008 Ai no mukidashi / Love Exposure
2009 Chanto tsutaeru / Be Sure to Share
2010 Tsumetai nettaigyo / Pez mortal
Premios:
-Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña-Sitges, España, 2010: Premio Casa Asia a Mejor Película.
Trash Humpers
D, G y F en C: Harmony Korine. P: Estados Unidos-Gran Bretaña-Francia, 2009. E: Leo Scott. Con: Harmony Korine (Hervé), Rachel Korine (mamá), Brian Kotzur (Buddy), Travis Nicholson (Travis), Chris Gantry (cantante). Prod: Alcove Entertainment, O’ Salvation, Charles-Marie Anthonioz, Amina Dasmal, Robin Fox. Dur: 78 min. Dist: Interior 13 Cine.
Filmada y montada en formato VHS, Trash Humpers tiene como protagonistas a un grupo de individuos arrugados y monstruosos que deambulan por los escenarios de la Norteamérica white trash haciendo apología de su condición de “fornicadores de basura”. La película esboza una poética de la marginación que evoca el recuerdo de las madonnas y proxenetas del primer Pasolini, sus descampados y refugios sustituidos aquí por estacionamientos y bordes de carretera.
Una noche estaba paseando a mi perro por los alrededores de mi casa, en Nashville y me topé con unos enormes cubos de basura que habían sido lanzados al suelo, las farolas lanzaban una iluminación muy tenue sobre ellos y, de repente, empecé a contemplar esos cubos de una manera un poco extraña: parecían formas casi humanas, incluso excitantes. De repente, recordé que, en mi infancia, los residentes de un hogar de jubilados se escapaban por la noche y observaban a la gente a través de las ventanas de las casas. Probablemente, eran unos pervertidos. Combiné la imagen de los cubos con ese recuerdo de infancia y se me ocurrió la idea de Trash humpers, una película que esperaba que no pareciese una película, sino una especie de objeto encontrado, un documento despojado de cualquier narrativa tradicional, pero con algunos momentos escalofriantes.
Harmony Korine
Harmony Korine
1973, CALIFORNIA, ESTADOS UNIDOS
Su padre, productor de documentales para la televisora estatal educativa PBS, le descubrió a Harmony el mundo de Buster Keaton, y le enseñó también a filmar con una pequeña cámara Bolex. Durante su adolescencia conoció la obra de cineastas como Fassbinder, Cassavetes, Godard o Herzog, entre otros autores. Se trasladó a Nueva York al cumplir la mayoría de edad para estudiar Escritura Dramática en el Tisch School of Arts, carrera que abandona para dedicarse profesionalmente al skateboarding, actividad por la que entabla amistad con el director de cine Larry Clark, a quien le presenta un guión escrito por él a los 19 años y que se convertirá en el polémico filme Kids. En 1997 debuta como realizador con Gummo, filme sin hilo narrativo específico donde presenta un microcosmos social violento y decadente. En 1999 filma Julien Donkey-Boy, primer filme no europeo afiliado al movimiento Dogma 95. Después de Mister Lonely, su película más ordinaria hasta la fecha, vuelve a su estilo transgresor con Trash Humpers, estrenada en el Festival Internacional de Cine de Toronto.
Filmografía:
1997 Gummo
1998 The Diary of Anne Frank Part II (cortometraje)
1999 Julien Donkey-Boy
2007 Mister Lonely
2009 Trash Humpers
2010 Mac and Plak (cortometraje)
Act Da Fool (cortometraje)
Premios:
CPH: DOX. Festival Internacional de Cine Documental de Copenhague, Dinamarca, 2009: Premio DOX a Mejor Documental.
El chico que miente
El chico que miente
D y E: Marité Ugás. G: Mariana Rondón y Marité Ugás. P: Venezuela-Peru,
En esta road movie, un chico de 13 años abandona su hogar e inicia un viaje por la costa de Venezuela en busca de su madre, quien desapareció hace 10 años en un deslave que cobró muchas vidas. Los recuerdos, hilados cuidadosamente por su padre, se contradicen y lo impulsan a buscar su propia historia. Para sobrevivir, el chico debe seducir a los otros contando anécdotas sobre la catástrofe. Esta cinta fue la segunda película venezolana seleccionada para competir en el festival de cine de Berlín.
El deslave me sirve como metáfora de lo acontecido en los últimos 10 años en Venezuela, es la edad de su evolución, de tomar la decisión de encontrar este país. Por el otro lado, está el hecho simbólico de lo que ocurrió y lo que está aconteciendo hoy, qué cosas se han movido y qué cosas no. Invitar al espectador a este viaje es reflexionar sobre este país. La reflexión no necesariamente va a ser plácida, puede llegar a ser hasta dura. En todo caso, es esta confrontación de contradicciones con la que el chico se va a encontrar.
Marité Ugás
Marité Ugás
1963, LIMA, PERÚ.
Luego de graduarse en Comunicaciones en
Filmografía:
1988 Barrio Belén (cortometraje documental)
1989 Algo caía en el silencio (cortometraje)
1992 Cotidiano (cortometraje)
1999 A la media noche y media
2002 Alguien nos vigila
2006 Hijos de la guerrilla
2011 El chico que miente
Cuchillo de palo
D y G: Renate Acosta. P: España-Paraguay, 2010. F en C: Carlos Vásquez. E: Núria Esquerra y Carlos García. Testimonios de : Miguel Auad Petunia, Renate Acosta y Manuel Cuenca. Prod: Estudi Playtime, TVC Televisió de Catalunya, Marta Andreu y Susana Benito. Dur: 93 mins. Dist: Cineteca Nacional.
En el Paraguay de los ochenta —durante la dictadura de Alfredo Stroessner—, ubicamos a Rodolfo, el único hermano de una familia que no quiere dedicarse a la herrería como el papá: él quiere ser bailarín, decisión que lo lleva a sufrir arresto y tortura junto con un ciento de homosexuales paraguayos. Renate Acosta emprende una búsqueda tras las huellas de su tío Rodolfo y descubre que fue incluido en las "listas de homosexuales, o 108” y revela en su documental una parte de la historia escondida y silenciada en Latinoamérica.
En casa del abuelo herrero, Rodolfo fue el “cuchillo de palo” y durante la dictadura cualquier persona que pensara o fuese diferente, era reprimida. El documental nace como necesidad de enfrentarse con la rabia y el dolor al constatar la ignorancia ante la evidencia, como necesidad de filmar para existir y como compromiso con la realidad. Busco entre las palabras de quien habla o evita hablar la reconstrucción de la figura del perseguido, del ocultado, del “anormal”, y a través de ello capturo la imagen de una sociedad que estuvo y sigue encerrada en una cierta intolerancia, silencio y pasividad.
Renate Acosta
Renate Acosta
1981, ASUNCIÓN, PARAGUAY
Graduada en Dirección y Producción Audiovisual en el Instituto Profesional de Artes y Ciencias de la Comunicación del Paraguay, se especializó en Realización Documental en San Antonio de los Baños, Cuba. Desde 2006 vive en Barcelona donde obtuvo el Máster en Documental de Creación por la Universitat Pompeu Fabra. En el campo del documental, trabajó en Paraguay como productora de Cándido López – Los campos de batalla (José Luis García, 2005) que ganó el Premio del Público en BAFICI (Argentina) así como los reconocimientos a mejor película, mejor guión y mejor documental en los premios Cóndor 2006 del mismo país. Cuchillo de palo es su primer largo documental.
Filmografía:
2005-2006 Historias del camino (serie documental)
2007 Che yvotymi / Mi pequeña flor (cortometraje documental)
2010 Cuchillo de palo
Premios
-Festival de Cine Documental DocLisboa, Portugal, 2010: Mejor documental de investigación.
-Muestra Cinematográfica del Atlántico, Cádiz, España, 2010: Mejor largometraje documental.
-Festival de Málaga de Cine Español, 2010: Mejor documental
